En la otra isla

El cine en el quehacer (descolonial) del hombre

Walter Mignolo — 2025-09-12

Comienzo con una breve historia. Durante la década de 1960, en Córdoba, Argentina, el cine vivió una notable efervescencia, aunque no fue el único ámbito cultural en expansión. Podrían sumarse Buenos Aires y Montevideo. Tomás Eloy Martínez lideraba la crítica cinematográfica en la primera y Alsina Thevenet en la segunda. Todo esto sucedía a pesar del clima convulso, marcado por el golpe militar que, en 1966, llevó a Juan Carlos Onganía al poder y dio inicio a dos décadas de represión militar.

Apuntes sobre la (des)colonialidad cinematográfica

Facundo Giuliano — 2025-09-12

En los apuntes, no solo una mira que tienta el disparo, un trazo pedagógico que entrama.
Atender como llevar el apunte: traslado con afecto, al filo de lo que se escapa inminente.
La colonialidad cinematográfica entonces y las inevitables expresiones en lucha: modos de
vida, lugares, cines. También la pregunta sembrada por el paréntesis, la descolonialidad
que aquí implica un vuelco de la cámara y los sentidos: asumir los problemas comunales,
explorar el contracampo como cuidar y cultivar una reserva ética inagotable, sentir la
trama de lengua y lenguaje. Ante la insensibilidad creciente y el olvido de mundos, tentar a
flote la atención, esquivar la intención esclavista de la mirada funcional, habitar la tensión
de alteridad presente en las imágenes inquietas que se disputan entre los dispositivos y el
vivir, poetizar reminiscencias. Pero otro tentáculo aparece con la colonialidad algorítmica,
su forma serial, su serialidad narrativa, asoma la cuestión de plantar un corte estésico.
Fragmentos recuperados se encuentran en la aventura de reconstitución, por no grafiar lo
deseado, por no escribir lo sabido sin huecos, lo inquietante de imágenes que danzan y de
sonidos que enseñan todavía mundos otros. Montajes en que se juegan desmontajes de lo
obvio, lo verdadero que allí se aloja agujerea las pretensiones de los saberes predispuestos.
Recorte musical, afecto atmosférico, cuidado visual, cine tal vez. Pedagogías sintientes en
tiempos de plataformas anestésicas.

Decolonización del cine argentino. Perspectiva histórica y propuestas de salida

Goyo Anchou — 2025-09-12

Hay dos posiciones frente al dilema de cómo debiera encararse un fomento estatal
de cine Argentina, una vez que se pueda encarar la reconstrucción del sector, y tienen como
núcleo la proporción de recursos que debiera darse a cada área. La primacía del fomento
directo para la producción de las empresas, ha conducido a la negación y atrofia de los
otros sectores de la actividad cinematográfica. Un crecimiento seriamente planificado
en la conservación de películas y el desarrollo de audiencias a un nivel federal, implica
forzosamente una proporción menor para el subsidio directo a las productoras. El estímulo
a una estética latinoamericanista, con sus presupuestos menores, es la opción compatible
con el desarrollo de nuestras estructuras de producción.

Historia Pluriversal: Samoa de Ernesto Baca (2005)

Byron Davies — 2025-09-12

ar el interés por el Súper 8 en Argentina a comienzos de este siglo. Su enorme
colección de planos se organiza en torno a una idea única pero multivalente: el espejo como
lugar de la contraconquista. La película abre y cierra con tomas de conquistadores llevando
un espejo que refleja la luz, símbolo de las “imágenes en guerra”, es decir, de la perspectiva
renacentista contra la que la película alista con frecuencia lo plano del formato Súper 8. La
propia estructura no lineal de Samoa adopta la figura del espejo: una curva simétrica en
forma de palíndromo. Su concepción del espacio se desprende de la separación entre esos
lados de la curva, lo que la convierte en lo opuesto a las concepciones espaciales dominantes
en el cine “clásico”: toda una región de estructura y planos sin profundidad de campo frente
a estructura delgada y espacio profundo. La película se convierte entonces en una constante
interrogación de la noción de centro: el centro como pliegue entre dos representaciones
espejadas, lo que a su vez se convierte en una oportunidad para interrogar la relación entre
los centros metafísicos y los geopolíticos (metrópolis). La película apunta así hacia una
ética de la liberación que no es accesoria sino que podría decirse que es interna al cine
experimental de Súper 8.

Historia Pluriversal: Ernesto Baca’s Samoa (2005)

Byron Davies — 2025-09-12

Ernesto Baca’s feature-length experimental film Samoa (2005) was fundamental
in kindling a renewed interest in Super 8 in Argentina at the beginning of this century. Its
massive collection of shots are organized around a single but multivalent idea: the mirror as
site of the contraconquista. The film opens and closes with shots of conquistadores bearing a
light-reflecting mirror, a symbol of the “images at war,” that is, of the renaissance perspective
against which the film will frequently enlist the flatness of the Super 8 format. Samoa’s
non-linear structure itself takes up the figure of the mirror: a symmetrical, palindrome-like
curve. Its conception of space is derived from the gap between those sides of the curve,
thus making it the opposite of spatial conceptions dominant in “classical” cinema: a whole
region of structure and depthless shots versus thin structure and deep space. The film then
becomes a sustained interrogation of the notion of a center: the center as a fold between
two mirrored representations, which in turn becomes an occasion for interrogating the
relationship between metaphysical centers and geopolitical ones (metropoles). The film
thus points towards an eth

El espinazo del diablo o la voz del otro. Lectura decolonial de la ‘mirada ubicuitaria’

Omar Arriaga Garcés — 2025-09-12

El espinazo del diablo es una realización sui generis dentro del cine fantástico y de terror:
pese a haberse rodado en España, se inscribe en un contexto latinoamericano de resistencia
epistémica y ontológica, no se diga ya estética, alguna de cuyas características —como
la centralidad del otro— son perceptibles en la cinta. Por ello, partiendo del concepto
‘colonialidad del ver’ de Joaquín Barrientos, este artículo analiza el tercer largometraje de
Guillermo del Toro a la luz del Modelo de Representación Institucional (mri) cinematográfico,
llamado así por Noël Burch, con lo que se establecen diferencias e implicaciones entre éste
y la película del mexicano, empleando en tal estudio el término ‘mirada ubicuitaria’ como
noción paralela al denominado por el crítico estadounidense como ‘montaje ubicuitario’,
en que se invibilizan el punto de enunciación y la enfoque de la mirada desde donde se
construye el discurso. A diferencia de realizaciones del género sustentadas sobre el mri,
cuyos máximos exponentes son los filmes de Hollywood, la cinta del jalisciense parte de la
visión del otro, simbolizado aquí por el fantasma, el espectro, la aparición, sin privarle de
estatuto ontológico, confiriéndole no sólo el

Cines comunitarios y comunales en América Latina: reimaginando la producción audiovisual a través de perspectivas decoloniales y pluriversales

Roque González Galván — 2025-09-12

El artículo examina el cine comunitario y comunal en América Latina como una práctica
decolonial fundamental. Argumenta que históricamente, el cine operó como un instrumento
de poder eurocéntrico, diseminando narrativas hegemónicas y marginando voces locales.
En oposición, el cine comunitario desafía esta desigualdad al centrar a las comunidades
históricamente invisibles en la producción y narración. Estas iniciativas se basan en
orígenes locales y utilizan metodologías participativas que involucran activamente a los
miembros de la comunidad en todo el proceso creativo. A través de la co-creación, enfoques
etnográficos, mapeo colaborativo y archivos locales, generan narrativas enraizadas en sus
realidades. Al subvertir estructuras narrativas y géneros dominantes, priorizando el proceso
colectivo y difuminando límites estéticos, contribuyen a una imaginación cinematográfica
pluriversal que abraza múltiples cosmovisiones y desafía representaciones hegemónicas.
En esencia, estas prácticas buscan descolonizar la cultura visual, ofreciendo caminos hacia
una expresión más inclusiva y representativa en la región.

Cines africanos - cines negados. Miradas decoloniales a través de los films África 50 de rené vautier y Ceddo de ousmane sembènE

Jorgelina Barrera — 2025-09-12

África 50 de René Vautier y Ceddo de Ousmane Sembène constituyen dos momentos
fundacionales en la genealogía del cine africano de resistencia. Separadas por más de dos
décadas y situadas en contextos políticos distintos —la colonización y la posindependencia—,
ambas películas fueron censuradas por su mirada crítica y su potencia subversiva. Este texto
analiza, desde una perspectiva decolonial, cómo estos films no solo denuncian la violencia
del poder colonial y poscolonial, sino que se inscriben en un proyecto cinematográfico
insurgente, que desobedece los relatos oficiales y propone nuevas gramáticas visuales para
pensar África desde sus propias epistemologías. La censura aparece aquí no solo como
castigo, sino como síntoma del miedo al pensamiento autónomo. Frente a ello, estas obras se
convierten en dispositivos de memoria, en actos de pensamiento político y en expresiones
radicales de una imagen decolonial. Al incorporar lenguas locales, saberes comunitarios
y espiritualidades negadas, los cines africanos no solo narran otras historias: construyen
otras formas de ver, sentir y conocer el mundo. En esa apuesta, el cine se vuelve campo de
disputa ontológica y, África, laboratorio de una mirada descolonizadora.

La disputa por el presente. Entre la imagen cinematográfica y el texto visual

Cristina Pósleman — 2025-09-13

Un ensayo vinculado a las imágenes debería iniciar por ellas. Sin embargo, y sin que ello sea
contradictorio, queremos pensar que las imágenes pueden provenir del mundo audiovisual
en el que el cine se inscribe pero también de textos. En esa encrucijada nuestro trabajo
enlaza en un acto dos archivos concurrentes: las imágenes y escenas de una película en
particular: Le noir de…. (1962), de Ousmane Sembène, y las imágenes que provienen de
un texto icónico, Piel negra, máscaras blancas (1952), de Frantz Fanon, el cual es, entre
otras cosas, un texto visual. En esa trama comparativa y de deslizamientos de la visualidad
por dos formas de lo que podría pensarse como el archivo decolonial, queremos preguntar
por la temporalidad en juego. Cómo esas imágenes hacen compleja la construcción del
presente, cómo disputan en el corazón de la colonialidad las formas jerárquicas del tiempo
y de la acción política.

narrativa audiovisual como un sistema de vinculaciones en “Hain, enlazadores de energías”

Wanda López Trelles — 2025-09-16

“HAIN, enlazadores de energías” (Wanda López Trelles, 2024) es un proyecto
audiovisual que habita lo “trans”: transmedia, transgénero, transdisciplinar y transcultural;
alejándose de la categoría “híbrido” que se usa en las terminologías del cine y curaduría
imperante. Genera un diálogo con lo ancestral, de nuestras propias historias personales y
sociales vinculadas a la colonización de nuestres cuerpes, y cómo esa memoria de violencia,
reproducción y sistematización, aparece latente en nuestra memoria corporal, espiritual y
territorial.

Modelo de la Infelicidad: mentalidades de época contrapuestas en el Cine Argentino

Federico Luaces — 2025-09-16

comportamiento que de manera casi invisible, moldea la memoria colectiva. Como
herramienta de comunicación, ha sido el vehículo más contundente para deslizar el
ideario de sociedad que forjó la élite cultural de cada época, ya que dispuso del control de
los medios y recursos para tal fin, conjugada en la utilización de una compleja narrativa
simbólica. Convertida la cinematografía en industria cultural, las películas de las décadas
de 1940 y 1950 sirvieron de ejemplo para la organización de las fuerzas productivas, del
ámbito familiar y de los lazos de convivencia anhelados para una comunidad que crecía
velozmente, en especial en la ciudad de Buenos Aires. En este artículo analizo las tensiones
emergentes en torno a los relatos contra-hegemónicos en la ficción cinematográfica
argentina de principios del siglo XXI. Para ello selecciono un grupo de largometrajes
ejemplares mediante los cuales ejercito un trabajo comparativo en dos direcciones: una
histórica, en relación con el primer y emblemático esquema arquetípico del cine nacional,
que fuera el Modelo del Sentimiento (Berardi, 2020), y otra contemporánea, que contempla
revisar algunas destacables películas rupturistas realizadas durante los primeros años de
este milenio y que denomino Modelo de la Infelicidad. Destaco aquí el importantísimo rol
que le otorgo a los textos cinematográficos ficcionales en el armado del sentido social de la
realidad histórica, como también planteo los posibles caminos para la democratización de
la participación política de los grupos culturalmente dominados.

El INCAA y la razón evaluadora. Efectos prácticos en una concepción de lo real

Cecilia Fiel — 2025-09-16

A partir del concepto de razón evaluadora (Giuliano), en tanto racionalidad
propia de lógicas vinculadas a las prácticas de evaluación, el artículo analiza la concepción
de lo real que se desprende de la normativa del INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes
Audiovisuales de Argentina) para el documental digital durante los años 2007-2023. Bajo
forma disciplinar, la razón evaluadora produce control a través del marco normativo que
instrumentaliza su producción afirmando una mirada estática de lo real. Las normativas
establecen una línea divisoria entre la tradicional dicotomía ficción/documental como una
oposición excluyente, pero que los integrantes de la comunidad audiovisual se encargan
de desarmar desde su práctica. La docufricción (Ruiz) irrumpe o como una salida a la
herencia moderna y colonial del cine.

Una Historia del Cine Documental Argentino

Clara Beatriz Kriger — 2025-09-16

Si nos abocamos a un relevamiento de la bibliografía referida al documental argentino nos encontramos con un listado bastante escaso, a pesar de que la producción documental local siempre ha sido muy abundante e interesante para el análisis tanto por ser innovadora en sus formatos como por la diversidad de sus modos de producción.
¿Cómo pensar el documental en el cruce con nuestra historia cultural y política? ¿Cuándo comenzaron a realizarse documentales estatales, los independientes y los producidos por cooperativas? ¿Qué temas tocaron las películas documentales además de los vinculados directamente con la esfera social y política? ¿Con que criterios podríamos periodizar la producción documental local?

The motorcycle diaries. Youth, travel and politics in Latin America

Matías Corradi — 2025-09-16

En su libro anterior, The Latin American (Counter-) Road Movie and Ambivalent Modernity. New York: Palgrave MacMillan, 2017, Nadia Lie ofrecía un examen amplio y sistemático de cómo el género road-movie, nacido de la cinematografía moderna estadounidense, era apropiado y reelaborado a partir de coordenadas sociales y culturales propias de nuestra región. A través del análisis comparado de un repertorio extenso y variopinto de películas —englobadas en tópicos como el cine de migración fronteriza, de desplazamientos internos forzados, viajes turísticos o counter- road movies, concepto elaborado por la autora para designar a aquellos filmes en los que las trayectorias de viaje por alguna razón se ven interrumpidas—, se daba cuenta del lugar detentado por estos films en relación con la experiencia de la modernidad.

“Un momento triste para el mundo del cine…”. Crítica de No Other Land

Inti Meza Villarino — 2025-09-16

“Es un momento triste para el mundo del cine…un sabotaje contra el estado de Israel”. Así fue como Miki Zohar, ministro de cultura de Israel calificó a la premiación con el Oscar de la película No Other Land (Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham, Rachel Szor, 2024) en febrero del 2025. No fue el único funcionario israelí que lamentó la exhibición del documental y ciertamente eso dificultó su distribución por los circuitos internacionales del cine. Hasta el momento en que escribo estas líneas, No other land aún no tiene distribución comercial en Estados Unidos, solo algunas plataformas digitales la tienen bajo sus servicios de exhibición en línea.

Tiempos de tiros y algoritmos: detrás de escena con Cris Tapia Marchiori

Facundo Giuliano — 2025-09-16

La liberación sonora La música de Lluvia de Palos en el cine del Colectivo Los ingrávidos

José Navarro — 2025-09-16

A lo largo de la conversación, José Navarro y Cecilia Fiel repasan la función que
tradicionalmente ha tenido la música y el diseño sonoro en el cine para leer el trabajo de
Lluvia de Palos y el colectivo mexicano Los Ingrávidos desde una perspectiva decolonial.
Esta última implicaría el desarme de la música occidental, sus ritmos, sus timbres y una
nueva relación entre la imagen y el sonido que desarmaría también el montaje. El resultado
es la liberación de la música y el diseño sonoro supeditado, tradicionalmente, a la imagen.

Desde dónde

Santos Zunzunegui — 2025-09-16

Nunca he tenido tendencia a la melancolía ni a pensar que cualquier tiempo pasado fue mejor. Me he limitado a intentar mantener viva la capacidad de reconocer la mutabilidad de los tiempos pero sin perder de vista que pese a los seísmos acarreados por lo que algunos denominan “guerras culturales” si consideramos las cosas a largo plazo nos veremos obligados a constatar que en esos barros muchos confunden el aire del tiempo con la mera espuma del mundo.

Número completo

En la otra isla — 2025-09-16